Shahrzad Rahmani ist freiberuf- liche Bühnenbildnerin, Szenografin und Teil des Künstler*innenkol- lektivs Guerilla Architects in Berlin. In ihrer künstlerischen Praxis definiert sie szenische Räume als soziale und politische Resonanz- räume, die durch ihre performative und interdisziplinäre Ausrichtung zwischen Bühne, Stadtraum und Installation dynamische Wechselwirkungen schaffen. 2023/24 war sie Bertolt-Brecht- Gastprofessorin an der Universität Leipzig – Centre of Competence for Theatre (CCT). Mit ihrem Kollektiv erforscht sie ortsspezifi- sche Raumkonzepte, die Wahr- nehmung verschieben und gesell- schaftliche Strukturen kritisch hinterfragen. Sie arbeitet in enger Zusammenarbeit mit Regis- seur*innen und Choreograf*innen in Deutschland und International.

Silvia Gioberti ist Mitbegründerin des Künstler*innenkollektivs Guerilla Architects. Sie arbeitet freiberuflich mit internationalen Künstler:innen als Kunstprodu- zentin. Diese Tätigkeiten haben ihre Sicht auf die unterschied- lichen Deutungen und den Wert der Produktion von Kunst und Raum stark geprägt. Seit 2022 ist sie wissenschaftliche Mitar- beiterin am Institut für Architektur und Städtebau der Universität der Künste Berlin. Ihre Forschung und ihre Arbeit mit dem Kollektiv konzentrieren sich darauf, gesell- schaftlich festgesetzte Paradig- men in Frage zu stellen und sie durch Gestaltung und unkonven- tionelle Nutzung von (öffentli- chem) Raum neu zu interpretieren.

Wie kann Theater zur Stätte werden, an der eine Gesell­schaft sich, vermittelt über eine „dritte Sache“, mit sich selbst und ihren unge­lösten Proble­men kritisch ausein­ander­setzt? Ausgehend von dieser Frage und den dekolo­nialen, feminis­tischen und intersek­tionalen Ansätzen des Festivals wird eine Gruppe von 40 inter­natio­nalen Student*innen und Wissen­schaft­ler*innen Beiträge zu einer im Entstehen begrif­fenen Enzyk­lopädie der Compa­rative Drama­turgy and Perfor­mance Research (CDPR) erarbeiten.

DO 18.09. bis SO 21.09.

Credits

Robert Machiri, auch bekannt als Chi, arbeitet mit Klang als Objekt, das er durch eine soziale, wandernde und multi­mediale Praxis erforscht. Seine Arbeit ist in einer auditiven Imagi­nation verwurzelt, die mündliche Überliefe­rungen, Land­schaften und Stadt­bilder als lebendige Archive auf dem afrikani­schen Kontinent und darüber hinaus mitein­ander verwebt. Sein Zugang ist sowohl kurato­risch als auch transdis­ziplinär und stark geprägt von dem Anliegen, Musik als Ort der Wissens­produktion und als Quelle progressiver Imagina­tionen zu begreifen.

Sein bekann­testes Projekt PUNGWE ist eine interdis­ziplinäre Plattform, die afrikanische Klang­welten im Kontext zeitgenössi­scher Kunst- und Kultur­diskurse erkundet. PUNGWE produziert kollabo­rative Arbeiten wie Pungwe Nights, Listening at Pungwe und Pungwe Soundtrails – jeweils eigenständige Projekte mit einem eigenen Zugang zur auditiven Praxis.

Robert Machiri präsen­tierte seine Arbeiten u.  a. bei der Makassar Biennale (Indonesien), der Biennale Musica in Venedig, dem Blaffer Art Museum der University of Houston (Texas) und dem Melly Institute in Rotterdam. 2021 war er Fellow der Akademie Schloss Solitude in Stuttgart, worauf 2022 ein weiteres Stipen­dium im Rahmen des DAAD Artists-in-Berlin-Programms folgte. Geboren 1978 in Simbabwe, lebt und arbeitet er zwischen Berlin, Johannes­burg und Harare.

Die Wiesbaden Biennale und die Hessische Theater­akademie veran­stalten zum vierten Mal den Biennale Campus. Zwanzig Studierende aus verschie­denen Bereichen der Ange­wandten Theater­wissen­schaft, Tanz und Choreo­graphie, Perfor­mative Künste in den sozialen Feldern, Regie und Bühnen­bild nehmen teil. In Gesprä­chen und Treffen tauschen sie sich über das Festival­programm aus. So verbin­den sie Theorie mit Praxis. Das Programm leiten Friederike Thielmann und Dr. Philipp Schulte.

FR 12.09. bis SO 14.09.

Credits

Katharina Kraft (sie/ihr), Luzia Opper­mann (sie/ihr) und Caspar Weimann (er/sie/they) bilden das online­theater.live. Das Kollektiv versteht Social Media Platt­formen als größte Theater unserer Wirklich­keit und emanzi­piert sich mit seinen Projekt als aktive Mitgestal­tungskraft dieses Theaters und damit der digitali­sierten Wirk­lich­keit. Einen Arbeits­schwer­punkt legt es dabei auf die Inter­vention in und Prävention von rechten, antifeminis­tischen und maskulinis­tischen Radikali­sierungs­prozessen und wurde für diese Arbeit von vielen

Katharina Kraft (sie/ihr), Luzia Opper­mann (sie/ihr) und Caspar Weimann (er/sie/they) bilden das online­theater.live. Das Kollektiv versteht Social Media Platt­formen als größte Theater unserer Wirk­lich­keit und emanzi­piert sich mit seinen Projekt als aktive Mitgestal­tungs­kraft dieses Theaters und damit der digitali­sierten Wirk­lichkeit. Einen Arbeits­schwer­punkt legt es dabei auf die Inter­vention in und Präven­tion von rechten, antifeminis­tischen und maskuli­nisti­schen Radikali­sierungs­prozessen und wurde für diese Arbeit von vielen

Raphaëlle Red wurde 1997 in Paris geboren und wuchs in Berlin auf, wo sie auch heute lebt. Sie studierte Sozial­wissen­schaften, forschte und lehrte zuletzt zur zeit­genös­sischen Literatur der afrika­nischen Diaspora und wendete sich dann dem litera­rischen Schreiben zu. Raphaëlle Red schreibt auf Franzö­sisch, Englisch und Deutsch. Ihre deutsch­sprachigen Texte sind bereits in den Antho­logien »Resonanzen« (Spector Books, 2022) und »Glückwunsch« (Hanser Berlin, 2023) erschienen. »Adikou« ist ihr Debüt­roman.

Lene Albrecht, geboren 1986 in Berlin, studierte Kultur­wissen­schaften in Frank­furt (Oder) und am Literatur­institut Leipzig. 2019 erschien ihr Debüt­roman »Wir, im Fenster«. Für die Arbeit an »Weiße Flecken« (2024) erhielt sie das Recherche­stipendium des Berliner Senats. Als Mitglied des Kollektivs WRITING WITH CARE/RAGE organisierte sie 2021 eine gleich­namige Konferenz zur Frage nach der Verein­barkeit von Care-Arbeit und Autor*in­nenschaft. Sie arbeitet als freie Lektorin, Journa­listin und Modera­torin u. a. für die Redaktion Radio­kunst von »Deutsch­land­funk Kultur«.

Der Filme­macher wurde 1984 in War­schau geboren. Seine Eltern flohen aus Polen nach Deutsch­land und nahmen ihn in der Hand­tasche mit. Er brach die Schule ab und arbeitete als Wein- und Diamanten­händler, bevor er anfing, sein Geld als Dekora­teur zu verdienen. So konnte er die Welt berei­sen. Zwischen­durch holte er sein Abitur nach und studierte zwei Semester Philo­sophie. Dann verschlug es ihn in die Film­klasse der Kunst­hoch­schule Mainz. Heute ist er Regisseur und Produ­zent von Doku­mentar­filmen und arbeitet derzeit an seinen ersten Spiel­film­projekten.

geboren in Frankfurt/ Main. Während ihres Studiums der Videokunst arbeitete sie als erste Regieassistentin. Ihren Bachelor Dokumentarfilm drehte sie 2015 in Athen über einen besetzten Parkplatz vor dem Hintergrund der sogenannten „Krise in Griechenland“. Protagonist*innen des Films sind: Aktivist:innen, Nachbar:innen, Drogenkonsument:innen. Der Film lief europaweit von der Kunsthalle Wien bis zur Kyiv Biennale. Sie arbeitete als Junior Producerin bei Vice Germany bis sie 2018 an der Filmakademie ihr Regie Studium aufnahm. Im Rahmen des Studiums realisierte sie weitere Kurzfilme, unter anderem ihren Animationsfilm “auf bald, deine Clara” der auf dem internationalen Trickfilm Festival Stuttgart und vielen weiteren Festivals lief.
Zurzeit lebt und arbeitet sie als Regisseurin und Autorin in Berlin. Sisterqueens ist ihr Diplomfilm, aktuell arbeitet sie an weiteren dokumentarischen Stoffen sowie an ihrem Spielfilmdebüt.

Matthew ist Mitbegründer und künstle­rischer Co-Leiter von Tourettes­hero. Wir sind seit über zwanzig Jahren befreundet und haben in dieser Zeit an vielen kreativen Projekten für Kinder, Jugend­liche und Erwachsene zusammen­gearbeitet. Matthew schreibt, führt Regie und kümmert sich um einen Groß­teil der täglichen Aktivi­täten bei Tourettes­hero, insbeson­dere um unseren vollen Kalender

Martina Priessner ist Autorin und Regis­seurin und lebt in Berlin. Seit vielen Jahren arbeitet sie zur deutsch-türki­schen Migration. 2010 drehte sie den Grimme-Preis-nomi­nierten Film „Wir sitzen im Süden“, 2013 folgte „Everyday I’m Capuling“ über die Gezi-Proteste. „Die Möllner Briefe“ feierte 2025 Berlinale-Welt­premiere im Pano­rama und wurde mit dem Panorama-Publikums­preis, dem Amnesty-Preis und dem Roman Brod­mann Preis ausgezeichnet.

Katharina Kraft (sie/ihr), Luzia Opper­mann (sie/ihr) und Caspar Weimann (er/sie/they) bilden das online­theater.live. Das Kollektiv versteht Social Media Platt­formen als größte Theater unserer Wirk­lich­keit und eman­zipiert sich mit seinen Projekt als aktive Mitgestal­tungs­kraft dieses Theaters und damit der digitali­sierten Wirk­lich­keit. Einen Arbeits­schwer­punkt legt es dabei auf die Inter­vention in und Präven­tion von rechten, antifemi­nis­tischen und masku­linis­tischen Radika­lisierungs­prozessen und wurde für diese Arbeit von vielen

Schrift­stellerin, Künst­lerin und Teilzeit-Super­heldin Jess Thom gründete 2010 Tourettes­hero als kreative Antwort auf ihre Erfah­rungen mit dem Tourette-Syndrom.
Tourettes­hero ist eine von behin­derten Menschen geführte gemein­nützige Organi­sation (CIC), deren Ziel es ist, eine inklusi­vere und sozial gerech­tere Gesell­schaft zu schaffen.
Mit einer preis­gekrönten kultu­rellen Praxis, die Perfor­mance, Film und Fern­sehen umfasst, identifi­zieren und beseiti­gen sie Barrieren, die Menschen mit Behinde­rungen ausschließen – wo immer sie auftreten. Ihre Forschungs-, Trainings- und Beratungs­programme inspirieren zu Verände­rungen und treiben sie inner­halb des Kultur­sektors und darüber hinaus aktiv voran.
Mit Sitz im Südosten Londons ist Tourettes­hero in einer Gemein­schaft verwurzelt, die durch gemein­same Erfahrungen und Wissen verbunden ist. Sie arbeiten in Solida­rität mit behin­derten Menschen in London, auf nationaler Ebene und inter­national.

Karin Lusten­berger ist Medien­künstlerin, Perfor­merin, Forscherin, Vermitt­lerin und Care-Aktivistin. Sie lebt mit ihrer Familie in Basel und ist seit 2023 Teil des Kern­teams des interdiszi­plinären Künst­ler*innen-Netz­werks art+care Schweiz. Ihr Interesse gilt Care-Perspek­tiven in Kunst, Techno­logie und Gesell­schaft sowie interdiszipli­nären Prozessen und Formen des Austauschs. In ihrer künst­lerischen Praxis erforscht sie explorativ und generativ Wahrneh­mungen, Verbin­dungen und Systema­tiken. Sie arbeitet mit multi­medialen, perfor­mativen und audio­visuellen Struk­turen und Formaten. Aktuell forscht sie zu Gender und sozialen Gaps im Posthuma­nismus. Karin Lusten­berger ist Meister­schülerin und Absol­ventin der Univer­sität der Künste Berlin (Fach­klasse Generative / Computational Art) und hat zuvor Kunst & Vermitt­lung an der Hoch­schule Luzern – Design Film Kunst studiert.

www.karinlustenberger.ch/

Teresa Monfared ist frei­schaffende Szeno­grafin, Perfor­merin, Aktivistin und ist Co-Leitung des Projekts Culture.Care im Verein Bühnen­mütter*. Bis Oktober 2024 leitete sie die Geschäfts­stelle des Szeno­grafie-Bunds. Gemein­sam mit Nicola Bram­kamp und Luca Sonnen leitet sie die Burning Issues Academy.
Sie brennt für eine bessere Verein­barkeit und Sicht­barkeit von Sorge­arbeit in der Kunst aber auch für faire Arbeits­bedingungen für frei­schaffende Künst­ler*innen in den darstellenden und bildenden Künsten und für einen Wandel der Bühnen- und Kostüm­bildproduktion hin zu ökologisch-nach­haltigen und kreislauf­fähigen Prozessen. Sie lebt und arbeitet mit ihren 1 bis 4 Kindern in Berlin.

Dr. Sascia Bailer ist Wissenschaftlerin, Autorin und Kuratorin und arbeitet an der Schnittstelle von Care, Gender und sozial engagierter Kunst. Sie hat an der Zürcher Hoch­schule der Künste und an der University of Reading im Bereich Praxis des Kuratierens promoviert. Als künstle­rische Leiterin 2019-20 der M.1 Arthur Boskamp-Stiftung entwickelte sie ein partizi­patives Programm zum Thema Care. Diese Forschung führte zu ihrem Buch „Caring Infra­structures: Trans­forming the Arts Through Feminist Curating“ (transcript, 2024). Sie ist Teil der Kollektive „Mothers*, Warriors, and Poets“, „Field Narratives“ und gehört zu dem Kosmos von art+care. Sie lebt mit ihrem Sohn und ihrem Groß­vater im Frei­burger Umland.

www.sasciabailer.com

Der Rote Tisch zu Mutter­schaft, Verein­barkeit und Care ist ein Zusammen­schluss von Berliner Mutterschafts- und Care-Aktivist*innen. Wir sind u. a. Künst­ler*innen, Wissen­schaftler*innen, Jurist*innen, Journa­list*innen und Coach*innen und es reicht uns!!! Wir wollen mehr Sicht­barkeit und Hörbar­keit für die Belange und Bedürf­nisse von Müttern* und anderen unbezahlt Sorge­arbeitenden.
Unsere Vision: Eine Gesell­schaft, die Sorge­arbeit als Grund­lage für sozialen Zusammen­halt und Lebens­qualität begreift und unterstützt.

www.icp-berlin.org/feministischer-roter-tisch-zu-mutterschaft-vereinbarkeit-und-care/

Der Bühnen­mütter* e.V. wurde 2022 gegründet. Hinter dem Verein stehen Künst­ler*innen, die selbst erlebt haben, wie schwierig es ist, Eltern­schaft und Karriere in der Kultur zu vereinen. Der Verein hat inzwischen 180 Mitglieder aus Deutsch­land, Öster­reich und der Schweiz – darunter nicht nur Mütter, sondern auch Väter und alle Menschen, die Fürsorge­verantwortung über­nehmen oder unsere Vision unterstützen.

www.buehnenmuetter.com

Caring Culture Lab - ein neu ins Leben gerufenes Kompetenz­zentrum für Gleich­stellung und Verein­barkeit von Kunst und Fürsorge im Kultur­sektor. Gemeinsam setzt sich das Lab für die Sichtbarkeit, Anerkennung und struktu­relle Verbesserung der Lebens- und Arbeits­bedingungen von Kultur­schaffenden mit Sorge­verantwortung ein. Das Lab wurde initiiert von Dr. Sascia Bailer und wird mitgetragen von Marie Lienhard, Anna Gohmert (Mothers*, Warriors, and Poets), Marcia Breuer (Mehr Mütter für die Kunst), Teresa Monfared (Bühnen­mütter* e.V.), Gabi Blum und Anna Schölss (K&K – Bündnis Kunst & Kind München), Ellen Louise Weise (kunst+kind Berlin), Ines Doleschal & Alice Münch (fair share! Sicht­barkeit für Künst­lerinnen) und Tanja Blum (freischaf­fende Kultur­managerin).

www.caringculturelab.com

art+care ist ein schweiz­weit wachsendes Netz­werk von Menschen aus den Künsten – ein ganzer Kosmos. Wir wollen von einem Künst­ler*innen­verständnis ausgehen, das auf der Basis von care­geben und care­nehmen aufbaut. Wir veröffent­lichen unsere Erfah­rungen, Bedürfnisse und Ressourcen, verbünden uns zu empow­ernden Kompliz*in­nenschaften und vereinen unsere Kräfte, um notwendige Verände­rungen im Kultur­sektor zu erwirken.

www.artandcare.org

Der in Madagas­kar geborene Joel Rabesolo ist ein talen­tierter Gitarrist, der 2006 den ersten Preis bei einem „Jazz Guitar“-Wettbe­werb in Antana­narivo, der Haup­tstadt seines Landes, gewann. Danach zog er nach Belgien, um sein Studium am König­lichen Konser­vatorium von Brüssel fortzusetzen, während er verschiedene musikalische Projekte entwickelte, um die reiche Musikkultur des Indischen Ozeans zu vermitteln. Sein einzigartiger Stil, den er als „marova­nistisch“ bezeichnet, ist inspiriert vom unverwech­selbaren Klang der Marovany, einem uralten Instrument aus Madagaskar. Dieser Einfluss ist das Herz­stück seiner Musik, in der sich die für seine Heimat­insel typischen Rhythmen und Harmonien vermischen. Joel hatte die Gelegen­heit, mit einigen der größten Namen der Musik­szene zusammen­zuarbeiten, wie Linley Marthe und D'Gary ... Heute lebt er in Belgien und tritt in verschiedenen musika­lischen Projekten auf, wobei er Stile von traditi­oneller Musik bis hin zu Blues, Afro-Groove und Jazz erkundet.

Audrey Merilus ist eine franzö­sische Künstlerin afro-kari­bischer Abstam­mung und lebt in Brüssel. Ihre künst­lerische Praxis dreht sich um Perfor­mance, Kuration und Drama­turgie. Sie studierte am Conser­vatoire Régional de Paris (CRR) und setzte ihre Ausbildung am Conser­vatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Lyon (CNSMDL) fort, bevor sie ihren Bachelor-Abschluss in Tanz am Training Cycle des P.A.R.T.S. machte. Sie hat mit verschie­denen interna­tionalen Produk­tionen und Künstlern zusammen­gearbeitet, darunter Gisèle Vienne, Soa Ratsifan­drihana, Florentina Holzinger, Maud le Pladec, Michiel Vandevelde und Rosas. Als Erweiterung ihrer künst­lerischen Reise hat sich Audreys Praxis auf das Kuratieren ausgeweitet. Für die zehnte Ausgabe der Radiant Nights im DeSingel (Antwerpen) initiierte sie das Projekt COLLECTIVE MEMORIES, ein Programm, bei dem sie mehrere Künstler einlud, ihre Arbeiten an zwei Abenden mit Perfor­mances, Literatur, bildender Kunst, Textilien und Sound vorzustellen. Derzeit arbeitet sie an der zweiten Ausgabe von COLLECTIVE MEMOERIES in Brüssel (2025). Kürzlich hat sie die Rolle der Drama­turgin für Stanley Olliviers kommendes Werk Spine of Desire: Wounds Without Tears, Out of One Skin in Diamonds and Shit (2025) übernommen und wird mit Gisèle Vienne als Perfor­merin in ihrer kommenden Produktion am Schau­spielhaus Zürich (2026) zusammen­arbeiten.

Stanley Ollivier ist ein franzö­sisch-karibi­scher Künstler, der in Brüssel lebt. Sie haben an der Académie Interna­tionale de Danse de Paris (AID), dem CNSMDP in Paris und P.A.R.T.S (BE) studiert, wo sie ihren Master in Kunst, Tanz und Choreo­graphie gemacht haben. Sie haben bereits für verschie­dene interna­tionale Produk­tionen und Künstler gearbeitet, wie z. B.: Soa Ratsifan­drihana, Cie Tabea Martin, Lasseindra Lanvin, Geert Belpaemeu, Calixto Neto, Iván Pérez, Disney Channel, Brahim Tall, u. a. Sie schufen die Perfor­mances PARADE (2021), The Mirror Stand (2022), Just A Taste (2024) und ‚Spine Of Desire: Wounds without tears, out of one skin in diamonds and shit‘ (2025). Stanley ist außerdem Resident Artist bei Oroko Radio (Accra, Ghana), Kiosk Radio (BE), Kaai­theatre (BE) sowie Mitbe­gründer von Entwined Studio.

David Gaetes künstle­rische Ausbildung begann an der Ballett­schule des Teatro Municipal de Santiago sowie an der BAFONA-Akademie.

David Gaete Paredes ist Schau­spieler mit einem Bachelor­abschluss der Universidad ARCIS. Er hat in zahl­reichen chile­nischen Theater­gruppen gespielt und/oder als Teil des kreativen Teams mitgewirkt, darunter Cía. CreaCuerpo, La Niña Horrible, Teatro La Palabra, Geografía Teatral und El Gran Circo Teatro. Zu seinen jüngsten Arbeiten zählt seine Rolle in Vampyr, inszeniert von Manuela Infante. Er hat an verschie­denen Univer­sitäten, Instituten und Schauspiel­schulen in ganz Chile unterrichtet. Seine Film- und Fernseh­credits umfassen u.  a.: 12 Días que Estremecieron Chile (2016), Zamudio (2014), Matar a Pinochet (2019), die Serie Dignidad (2019), Un Lugar Llamado Dignidad (2019), Inés del Alma Mía (2020), La Vida de Nosotras (2021), Poemas Malditos (2020), Vencer o Morir (2023), La Cacería 2 (2023) und Guerra de Verano (2024), unter vielen anderen.

Marcela Salinas ist Schauspielerin mit einem Bachelorabschluss in Kunst der Universidad de Chile (2004). Ihre Teilnahme an profes­sionellen Theater­produk­tionen reicht von 2000 bis heute – mit über 60 Produk­tionen in Chile und im Ausland. Zu den bedeutendsten Meilen­steinen zählt die Mitbegrün­dung des multidis­ziplinären Kreativ­kollektivs LÁGRIMAS, CELOS Y DUDAS (2007–2020) sowie die Mitwirkung an und Mitauto­renschaft des Solo-Stücks Estado Vegetal, inszeniert von Manuela Infante. Dieses Stück wurde zwischen 2017 und 2025 in über 14 Ländern in Latein­amerika, Asien und Europa gezeigt. Im audio­visuellen Bereich war sie u.  a. in Los Fuertes von Omar Zúñiga Hidalgo (2020), Isla Negra von Jorge Riquelme Serrano (2022), Kaye von Juan Pablo Cáceres Cornejo (2023) und der zweiten Staffel der Serie La Jauría (Amazon, 2021) zu sehen. Seit 2005 unter­richtet sie mit Schwer­punkt auf Stimme und Gesang in renom­mierten Schauspiel­programmen in Chile. Ihr Ansatz konzentriert sich auf die Beobachtung und Erforschung des kreativen Prozesses von Darstel­ler:innen aus neuro­wissen­schaftlicher Perspektive.

Tonderai Koschke (sie/er) ist eine in Berlin und Harare ansässige Architektur­forscherin und -pädagogin. Derzeit ist sie Dozentin an der Kunst­hoch­schule Weißensee und lehrt und forscht über postkolo­niale Identi­täten und Macht­dynamiken in der gebauten Umwelt. Außerdem ist sie Mitbegrün­derin von Isusu Ffena, einem panafri­kanischen Kollektiv, das Veranstal­tungen und ein Festival organisiert. In ihren Mappings, Skizzen, Texten und Installa­tionen hinter­fragt sie die Verletzungen des kolonialen Kapitalis­mus und feiert den Wider­stand und die gegen­wärtigen/zukünf­tigen Realitäten und Möglich­keiten subalterner Gemein­schaften.

ALPAS Pilipinas unter­stützt und organisiert die philippi­nische Gemein­schaft in Berlin und bildet eine Brücke zum leben­digen antiimpe­rialis­tischen Kampf auf den Philippinen.

Die multidis­ziplinäre Praxis von Lizza May David ist in der Malerei verankert, die sie mit künstle­rischer Forschung, Kollabo­rationen und anderen Formaten verbindet. Ihr Interesse gilt den Lücken und dem Schweigen in persönlichen und institu­tionellen Archiven. Frühere Video­arbeiten befassten sich mit Fragen der Arbeits­migration, der Erinne­rung und der Sprache. Sie studierte an der Akademie der Bildenden Künste Nürnberg und an der Universität der Künste Berlin. Derzeit ist sie Dozentin an der Kunst­hochschule Weißensee Berlin. Zu ihren jüngsten Ausstel­lungen gehören „Stories that We Imagine, Stories that Connect Us“, Kunst­verein Langen­hagen, 2025, „Traces of Interest“, ifa-Galerie, Stuttgart, 2024, „Snare for Birds: Rereading the Colonial Archive“, Ateneo Art Gallery, Manila 2023-2024 und „Preußi­sche Schlösser. Kolonial­geschichten“, Schloss Charlotten­burg, Berlin, 2023. David lebt und arbeitet in Berlin.

Angelo V. Suárez ist ein Dichter, der sich in seiner Kunst­praxis mit Konzep­tualismus und Perfor­mance beschäftigt. Sein letztes Buch war PHILIPPINE ENGLISH: Ein Roman, das 2015 als herunter­ladbare PDF-Datei veröffentlicht wurde. Er arbeitet ehren­amtlich für Unyon ng mga Manggagawa sa Agrikultura (UMA, Verband der Land­arbeiter) und verdient seinen Lebens­unterhalt als Werbe­texter.

Heidi Eckwall (Technical and Produc­tion Manager) ist eine Licht­designerin aus Minnea­polis, MN, deren Arbeit in den Bereichen Tanz, Theater und Perfor­mance sich über mehrere Jahr­zehnte erstreckt. Sie hat mit Nora Chipau­mire, Rosy Simas, Emily Johnson, Urban Bush Women, Body­Carto­graphy Project, Hijack und Margaret Jenkins getanzt. Heidi unter­richtet Licht­design am Colorado College.

Kwamina „Binnie“ Biney (Sound Assistant) zog in den Big Apple, um seinen Traum zu verwirk­lichen, bedeutungs­volle Kunst zu schaffen, die unzäh­lige Leben beein­flussen und/oder die Welt verän­dern könnte. Binnie begann als Tontech­niker, erkannte aber bald, dass ein ganzheit­liches Verständnis des Hand­werks nötig ist, um die Leiden­schaft zu vertiefen. Schon bald begann er, sich mit Audio­technik und Produk­tion zu beschäf­tigen. Zusam­men mit einigen engen Mitstrei­tern gründete Binnie und sein Team die red autumn studios und arbeitet seit fast 10 Jahren in der Pre/Post A/V-Produk­tion.

Vusumuzi „Vusa“ Moyo ist ein freiberuf­licher Tontech­niker aus Simbabwe mit über zwei Jahr­zehnten Erfahrung. Er war auf inter­nationalen Tourneen als leitender Tontech­niker für bekannte Künstler wie Oliver Mtukudzi, Mahube und Victor Kunonga tätig. Vusa ist für sein feines Gehör und sein techni­sches Know-how bekannt und ist eine erste Wahl für große Festivals in Simbabwe und Sambia, darunter HIFA und Miombo Magic. Er ist sowohl in der Studio­arbeit als auch bei Live-Events gleicher­maßen versiert und erweitert sein Fach­wissen in Richtung Film, wo er an Doku­mentar-, Kurz- und Spiel­filmen arbeitet.

Shamar Watt ist ein inter­diszi­plinärer Künstler, der in Kingston, Jamaika, und Miami geboren und aufge­wachsen ist. Seine Arbeiten wurden auf inter­nationalen Bühnen präsentiert, u. a. in der Cartier Foundation (Paris), im Sandrell Rivers Theater (Miami) und im Roulette Inter­medium (New York). Er hat mit dem weltbe­kannten Bild­hauer und Filme­macher Matthew Barney zusammen­gearbeitet und arbeitet seit 2015 eng mit der welt­weit aner­kannten multidis­ziplinären Künstlerin und Choreo­grafin Nora Chipau­mire zusammen. Watt’s Praxis basiert auf einem tiefen Engage­ment für die (Pre)for­mance spiritu­eller Unter­haltung, die Choreo­grafie von Geräuschen und die Erleuch­tung von Bewe­gung durch Dunkel­heit. Durch diese Hingabe strebt seine Arbeit nach der Manifes­tation eines neuen Himmels und einer neuen Erde - einer neu gedachten Beziehung zu Beziehungen.

Tyroneisaacstuart ist ein multidis­ziplinärer Künstler, der derzeit an einem Album und einem unterstüt­zenden Galerie­projekt arbeitet, das Klang, Bewegung, die Herstellung von Künstler­büchern und das gesprochene Wort kombiniert. Er begann seine Reise mit 14 Jahren und erwarb später einen BA in Jazz-Saxo­phon an der MDX University und der University of New Orleans. Zu den Höhe­punkten seiner Karriere gehören Auftritte mit dem Tomorrow’s Warriors Jazz Ensemble, Boy Blue Enter­tain­ment, Tanz in Produk­tionen wie East Wall (East London Dance), Multipli­cation of Rhythm (Anni Katrin Elmer/Irene Wernli), Concrete Dreams (Freddie Opoku-Addaie), ein Aufent­halt in Sadler's Wells und er gehört zur ersten Kohorte des Studio Wayne McGregor’s Resident6.

Mohamed Y. Shika ist ein ägyp­tischer zeitgenös­sischer Tänzer nubischer Herkunft, der in seiner Arbeit nubische Volks­tänze, Kampf­sport­arten, House und afro-traditio­nelle und afro-zeitgenös­sische Stile zu dynami­schen Formen verbindet. Im Jahr 2017 erhielt er das Pina-Bausch-Stipen­dium, was den Beginn seiner Zusammen­arbeit mit der Choreo­grafin Nora Chipau­mire markierte. Seit 2018 lebt Shika in Schweden und tritt mit Cullberg auf. Neben dem Tanz beschäftigt er sich mit Malerei und Foto­grafie und bereichert seine Bewegungen mit visueller Tiefe. Er formt weiterhin eine künstle­rische Stimme, die kultu­relles Erbe und zeitgenös­sische Erforschung verbindet und sich überschnei­dende Identi­täten reflek­tiert.

Soko Jena ist ein vielsei­tiger Künstler, Musiker, Tänzer und Choreo­graf aus Simbabwe. Er gründete die Jerahuni Move­ment Factory, die kosten­lose Tanz­kurse für Bewegungs­interessierte anbietet. Er glaubt, dass der körper­liche Ausdruck ein Ventil für spiritu­elle und emotio­nale Unter­strömungen ist, die in anderen Tanz­formen oft ignoriert werden. Als ehemaliger Tänzer, Choreo­graf und künstle­rischer Leiter der Tumbuka Dance Company erforscht er den Körper durch seine „Jerahuni-Technik“ ohne Wertung. Jerahuni ist Pina Bausch Dance Fellow (2020) und MFA-Student an der University of the Arts in Phila­delphia.

Jonathan Kudakwashe Daniel ist ein simbab­wischer Künstler, dessen tänze­rische Reise im Alter von 12 Jahren an der St. Michael's Primary School begann, wo er traditio­nelle Tänze wie Muchongoyo und Mhande lernte. Kurz darauf schloss er sich dem Chiedza Child Care Center an, mit dem er national und inter­national tourte, und 2014 wurde er Teil des Chipawo Arts Trust. Im Jahr 2018 schloss er sich dem Ngorimba Arts Trust an, bevor dieser geschlossen wurde. Später absolvierte er eine Ausbil­dung beim AfriKera Arts Trust, wo er zeitgenös­sischen, Ballett- und traditio­nellen Tanz studierte und 2021 seinen Abschluss machte. Seitdem hat er mit AfriKera Dance Theatre, Faye Jackson Dance Academy und Company Chabarwa gearbeitet. Derzeit tanzt er mit der Kompanie von Nora Chipaumire. Jonathan ist auch ein Instrumen­talist und spielt Mbira, Trommeln und Marimba.

Fatima Katiji ist eine simbab­wische Musikerin, Song­schreiberin, Perfor­merin, Perkussio­nistin und Tänzerin, die vor allem als „Stimy Stimela“, Background­sängerin für Jah Prayzah und 3G The Band, bekannt ist. Sie begann ihre Karriere 2005 als Lead­sängerin von Five Fold unter der Leitung von Hudson Simbarashe und hat sich seitdem zu einer bekannten Stimme in der Musik­szene Simbabwes entwickelt, die mit Künstlern wie Diana Samkange und Alexio Kawara zusammen­arbeitet. Als Mitbegrün­derin der StimyBee Arts Factory bildet Fatima Kinder in den darstellenden Künsten aus und tritt in der Gruppe NeHanda von Nora Chipaumire auf, mit der sie weltweit auf Festivals tourt. Kürzlich trat sie mit Sages Comme Des Sauvages auf dem Festival Africolor in Paris auf.ges und tourt weiterhin durch die Welt und arbeitet an innova­tiven Projekten.

Joyce Edwards ist ein Leucht­turm des künstle­rischen Wandels und hat in New York und den gesamten USA unaus­löschliche Spuren hinter­lassen. Edwards, die 2023 mit dem Bessie Award für heraus­ragende Leistungen ausgezeichnet wurde, hat für ihre Rollen in Ronald K. Browns „Grace“, „The Equality of Night and Day“ und „Open Door“ viel Beifall geerntet. Ihre Darbietungen gehen über den bloßen Ausdruck hinaus und sind von einer tiefen Verbunden­heit mit ihren angestammten Wurzeln geprägt, die ihren innovativen Geist und ihr künstlerisches Verständnis leiten. Mit der Weiter­entwicklung ihres künstle­rischen Schaffens festigt Edwards ihre Rolle als zentrale und inspirie­rende Kraft, die sowohl ihre Zeit­genossen als auch künftige Generationen von Tänzern beeinflusst. Ihre Arbeit unterstreicht nicht nur ihr außerge­wöhnliches Talent, sondern definiert auch die Möglich­keiten in der Welt des Tanzes neu, was sie zu einer entschei­denden Figur in der laufenden Entwicklung der Kunst­form macht.

Tatenda Chabarwa ist ein simbab­wischer Performer, Tänzer, Choreo­graf und Musiker. Er arbeitete als Vollzeit-Performer mit der Tumbuka Dance Company (2015-2016) und ist derzeit freiberuf­lich tätig. Er ist in der Kunst­szene aktiv, arbeitet mit dem Dunia Dance Theatre und der Company Chipaumire zusammen und arbeitet an seinen Solo­projekten. Tatenda ist Absolvent des Dance Trust of Zimbabwe und hat seine choreo­grafischen Arbeiten auf Festivals wie dem Windhoek International Dance Festival und dem Pan-African Creative Exchange präsentiert. Im Jahr 2024 wurde er für DanceWeb in Wien ausgewählt.

Eddy Sarayut Phetsamrit (42) ist ein thailän­discher Schau­spieler. Er wirkte u. a. bei SAPAN KWAI MY LOVE (2006), KING LEAR UND SEINE TÖCHTER (2012) und TAXI RADIO (2019) mit. Eddys Rollen reichen von Ensemble-Perfor­mances bis hin zu Schlüssel­rollen in Produk­tionen der MakhampomTheatre Group und B Floor Theatre.

Phiao Duangjai Hiransri ist eine thailän­dische Schau­spielerin, die sowohl in Filmen als auch in Fernseh­serien bekannt ist. Zu ihren bemerkens­werten Film­rollen gehört MYSTERIOUS OBJECT AT NOON (2000) von Apichat­pong Weerasethakul, BANG RAJAN (2002), PATONG GIRL (2014) und THE BLUE HOUR (2015). Im Fern­sehen war sie in SRI AYODHAYA (2017-2019), THAI CAVE RESCUE (2022) und I FEEL YOU LINGER IN THE AIR (2023) zu sehen. Phiao arbeitet weiterhin in der thailän­dischen und inter­nationalen Medien­landschaft und leistet bedeu­tende Beiträge zur Branche.

Der in Bangkok lebende Noom Sorawis Chinsang­thip hat einen Abschluss in Darstel­lenden Künsten (B.A., Chula­longkorn University) und ist Theater­praktiker. Seit 2017 arbeitet er als Performer und Schau­spieler für verschiedene Kompanien und Einzel­künstler, mit dem Ziel, seinen eigenen Ansatz und seine künstle­rische Praxis zu finden. Im Jahr 2019 begann er seine Rolle als Bühnen­manager/Projekt­koordinator für das thailän­disch-deutsche Gemein­schaftsprojekt „Streaming“. Er setzt seinen Weg als Projekt­manager für inter­nationale Theater­treffen und -festivals fort, darunter BIPAM (Bangkok Inter­national Performing Arts Meeting), BTF (Bangkok Theatre Festival) und BICT (Bangkok Inter­national Children's Theatre Festival), und arbeitet nebenbei immer noch aktiv als Darsteller.

Alex ist ein preis­gekrönter Komponist und Jazz-Posaunist „von außerge­wöhn­licher kreativer Vorstellungs­kraft und musika­lischer Energie, vollgepackt mit Lebens­kraft wie nichts anderes“ (Ivor Novello British Composer Awards.). Seine Partituren werden von Ricordi (Berlin) veröffent­licht. Er wurde beschrieben als „Ein Magier des Klangs ... hyper­­kinetisch regenbogen­farben ... Freude und Freiheit“ (Financial Times), „der fröhlichste Klang, den ich seit langem gehört habe! (New York Times)“, „Ein krawalliges Übermaß an Liebe und Wut ... ein außerge­wöhnliches Erlebnis“ (The Wire), „ein System­crasher der Genres ... unverwechsel­barer Stil ... hoch­komplex, raffiniert und extrem unterhaltsam, virtuos ad absurdum“ (Neue Zeit­schrift für Musik), und „eine super nova. ... ein unver­schämter senso­rischer Misch­masch ... ein Aufruhr und ein Regen­bogen ... ein von Herzen kommender, multi­senso­rischer, wirklich energie­geladener Zünder eines neuen Werks ... super­geladene Freude ... zwingt uns alle dazu, uns hinzusetzen, uns zu entspannen und aufzurichten“ (Kate Mollison BBC New Music Show). Zu den Auszeich­nungen zählen ein Ivor Novello, der Paul-Hindemith-Preis: „ein Brite, der jede nur erden­kliche Genre­grenze sprengt ... ein äußerst moderner und zukunfts­orientierter Stil“, der Ernst von Siemens Kompo­nisten­preis: „Unbändige Freude … raffinierte, leiden­schaft­liche Musik voller pulsie­render Energie und stilis­tischer Vielfalt“, der Claussen Simon Kompositions­preis der Elbphil­harmonie sowie der RPS Royal Philhar­monic Society Prize. Alex hat vier von der Kritik gefeierte Alben veröffent­licht: MUSIC for BOSCH PEOPLE (Birming­ham Record Company / NMC), iLOLLI-POP (non-classical), HAPPY MUSIC for ORCHESTRA (Delphian), DELICIOUS (New Amsterdam).
„Paxton ist ein Improvisationsmonster“ – Bandcamp

Die Geigerin Mayah Kadish spielt genre­über­greifend – vom Barock bis zum experimen­tellen Pop. Sie ist Mitglied von La Vaghezza, s t a r g a z e und Ensemble x.y und tritt inter­national als Solistin in Sälen wie dem Barbican (UK), Amster­dam Muziek­gebouw (NL), dem Luzerner Opern­haus (CH) und der Volks­bühne Berlin (DE) auf.  Ihre eigenen Kompo­sitionen sind eher knarzig und lassen sich keinem bestimmten Stil zuordnen.

Elischa Kaminer ist Komponist, Performer und Theater­macher. Er arbeitet an der Schnitt­stelle von Musik­theater, elektro­nischer Musik, Klang­kunst, queerer Popkultur und jiddischer Musik. Seine Werke wurden inter­national u. a. an der Sophien­säle, Kamp­nagel, Mouson­turm, und in Toronto, Seoul und LA gezeigt. Er ist Gründer des Platten­labels JONAH RECORDS und war Artist in Residence bei Britten Pears Arts und dem Glass­house Interna­tional Centre of Music (2024).

Barby Asante ist eine in London lebende Künst­lerin, Kura­torin und Forscherin, die sich für schwarzen Feminis­mus und dekolo­niale Methoden interes­siert. Asante schöpft aus ihrem Akan-Erbe, ihren Familien­geschichten und der Geschichte der afrika­nischen Diaspora, um die Politik des Ortes, des Raumes und der allgegen­wärtigen Hinter­lassen­schaften von Sklaverei und Kolonia­lismus zu erforschen. Sie interessiert sich dafür, wie diese Hinter­lassen­schaften fortbe­stehen und die Realitäten prägen, in denen wir heute leben, und wie wir sie durch die Vorstel­lung und Umsetzung von Praktiken der Befreiung für andere Lebens­weisen aufheben können. Asante verankert in ihrer Arbeit auch Vorstel­lungen von kollektiven Studien, zahllosen Formen des Wissens und dialog­ischen Praktiken, die das Zusammen­sein und Zusammen­atmen umfassen. Sie erforscht dies durch Arbeiten und Prozesse, die Perfor­mance, Film, kollektive Schreib­praktiken, Re-Enactment und die Schaffung von Räumen für Trans­formation, Ritual und Heilung nutzen. Ihr jüngstes Projekt Declaration of Indepen­dence (2017 – laufend) wurde in verschie­­denen Iterationen in Groß­britannien und Europa präsentiert, darunter eine groß angelegte Performance und ein öffent­liches Kunst­projekt mit Art on the Under­ground (2023–2025) und im HKW in Berlin als Teil des Ausstellungs- und Forschungs­projekts O Quilombismo: Of Resisting and Insisting. Von der Flucht als Kampf. Von anderen demokra­tischen egalitären politischen Philo­sophien (2023).

Marina Frenk ( *1986) ist eine deutsche Schau­spielerin, Sprecherin, Musikerin und Autorin. Sie wurde in der Republik Moldau geboren und kam 1993 nach Deutsch­land. Sie studierte Schau­spiel an der Folkwang Hoch­schule in Essen 2005-2008. Danach arbeitete sie am Schauspiel­haus Bochum, Schau­spiel Leipzig, Schau­spiel Köln, Schau­spiel Frankfurt und Maxim Gorki Theater Berlin. Seit 2015 ist sie frei­schaffende Künst­lerin. 2015 bekam sie gemein­sam mit Sibylle Berg den „Hörspiel­preis der Kriegs­blinden“ für „Und jetzt die Welt“; 2017 bekam sie den „CIVIS Europe’s Media Prize“ für ihr selbst­geschrie­benes Hörspiel „Jenseits der Kastanien“; 2018 insze­nierte und spielte sie ihr Solo­stück am Maxim Gorki Theater „Valeska Gert – The Animal Show“, das zum „Radikal Jung Regie-Festival“ ans Münchner Volks­theater eingeladen war; 2020 kam ihr Roman „Ewig her und gar nicht wahr“ im Wagen­bach Verlag heraus für den sie den Vera Doppel­feld Literatur-Förderpreis bekam, ebenso kam das Buch beim btb Verlag heraus und ist auch als Hörbuch beim Buchfunk Verlag erhältlich; 2023 insze­nierte und spielte sie ihr Solo­stück am Maxim Gorki Theater „Eine Niere hat nichts mit Politik zu tun“; 2024 ist ein Essay von ihr in der Antho­logie „Wir schon wieder – 16 jüdische Erzäh­lungen“ im Rowohlt Verlag erschienen.

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Produk­tivi­tät ist sicht­barer und akzep­tier­ter als das Pausie­ren. Dabei gehört Aus­ruhen für viele Menschen mit unsicht­baren Behin­derun­gen oder chroni­schen Krank­heiten zum All­tag. Raquel Meseguer Zafe hat ihre Geschichten gesam­melt und ein Hör­spiel geschaf­fen, das mit Klang und Text zum Inne­halten ein­lädt. Es erzählt vom subver­siven Akt des Liegens, vom Aus­ruhen im öffent­lichen Raum und von der Kraft, die im Nichts­tun liegt – poetisch, medi­tativ und poli­tisch zugleich.

Raphaëlle Red und Lene Albrecht lesen aus ihren Roma­nen. Sie sprechen über Lite­ratur, Politik und Wider­stand. Wer bin ich? Wo gehöre ich hin? Was kann Sprache verän­dern? Beide Autorin­nen verbin­den persön­liche Erfah­rungen mit gesell­schaft­licher Analyse und schaffen so Räume für neue Perspek­tiven.

Fünf Jahre nach dem rassis­tischen Terror­an­schlag in Hanau: Ein Film über Trauer, Mut und den Kampf für Gerech­tig­keit.

Drei Freun­dinnen rappen über ihr Leben. Sie kämpfen für Respekt, Frei­heit und gegen Diskri­mi­nie­rung.

İbrahim überlebte den rassis­tischen Brand­an­schlag von Mölln mit sieben. Jahr­zehnte später erfährt er von der Soli­dari­tät, die verbor­gen blieb.

Gezielte Online-Radika­lisie­rung von jungen Männern ist real und hat schlim­me Konse­quen­zen. Seit Jahren steigt die Zahl der Gewalt­taten an FLINTA* und Queers. 2024 hat online­theater anti­feminis­tische Content-Bubbles auf TikTok mit einer Video­kampagne unter­wandert. Zwischen Dating-Tipps, Selbst­opti­mie­rungs-Marke­ting und Fanta­sien von männ­licher Vorherr­schaft kreierten sie Gegen­erzäh­lun­gen zum dort herrschen­den Männer­bild. Über die Ergeb­nisse der Recher­che berich­ten sie in in dieser Lecture Perfor­mance.

Wer sorgt für die Kunst­schaf­fenden, die sich um andere kümmern? Beim Netz­werk­treffen von Kunst + Care-Initia­tiven aus Deutsch­land, der Schweiz und anderen euro­pä­ischen Ländern feiern wir den Start des CARING CULTURE LAB (caring­culture­lab.org). Das Treffen ist eine beson­dere Perfor­mance: SPARK THE FLAME!. Rund ums Feuer machen wir Platz für den Aus­tausch zwi­schen Kunst und Care-Arbeit – offen für Kinder, Erwach­sene und neue Ideen für eine solida­rische Kunst­welt.

DAMBUDZO bedeutet in der Shona-Sprache „Ärger/­Unruhe“, ist aber auch der Vor­name des radikalen Denkers Dam­budzo Mare­chera. In dieser bewegten Instal­lation setzt sich nora chipau­mire mit der Geschichte Simbab­wes ausein­ander. In einem Shabeen, einer infor­mellen, in Privat­häusern einge­rich­teten Bar, kommen Men­schen zusammen, um gemein­sam Möglich­keiten des Wider­stands und des Auf­ste­hens gegen politi­sche Macht­haber auszu­loten. Mit kraft­vollen Bildern, Sounds und Bewe­gun­gen nimmt nora chipau­mire uns mit auf eine Reise durch Simbab­wes Revo­lu­tion (1964 –1979), das wilde Leben des Autors Dam­budzo Mare­chera (1952 – 1978) – und ihre ganz persön­liche Geschichte voller Auf­bruch, Um­bruch
und Freude.

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Soa Ratsifandrihana ist eine französisch-mala­gassische Tänzerin und Choreo­grafin, die in Brüssel lebt. Nach ihrem Studium an der CNSMD in Paris arbeitete Soa mit James Thierrée, Salia Sanou und Anne Teresa de Keers­maeker. Im Jahr 2021 präsen­tierte sie ihr erstes Solo, g r oo v ein Brussels. Die Show wurde mehr als 60 Mal aufgeführt und tourt weiterhin durch Europa, Kanada, Asien und bald auch durch Madagaskar. Im Frühjahr 2024 präsentierte Soa ein Diptychon, bestehend aus einer Radio­kreation, Rouge cratère, und einer Perfor­mance mit dem Titel Fampitaha, fampita, fampitàna. Anknüpfend an ihr erstes Solo erkundet sie die möglichen Überschnei­dungen zwischen verschiedenen Medien, vom Radio­geschichten­erzählen bis hin zur choreo­grafischen und musika­lischen Komposition. Ihre Arbeit erinnert uns daran, dass unsere Körper ebenso wie unsere Worte Träger von Geschichten sind, die – wie auch immer wir sie kommunizieren wollen – erzählt werden müssen. Soa ist Artist-in-Residence am Kaai­theater (Belgien).

Manuela Infante Güell (Santiago, Chile, 1980) ist eine chile­nische Theater­regisseurin, Dramati­kerin, Drehbuch­autorin und Musikerin. Sie hat einen Master-Abschluss in Kultur­analyse von der Universität Amsterdam. Bekannt ist sie für szenische Auseinander­setzungen mit zeitgenös­sischen theore­tischen Frage­stellungen und schafft Werke, die sich zwischen Musik, Theater und Literatur bewegen. Ihre Stücke wurden veröffent­licht und ins Englische, Deutsche, Italienische und Portu­giesische übersetzt. Ihre Arbeiten wurden in bedeutenden Theatern und auf Festivals in Nord­amerika, Südamerika, Europa und Asien gezeigt. Sie hat mit Institu­tionen wie dem KVS (Belgien), Kai Theater (Belgien), TheaterWorks (Singapur), Schauspiel­haus Bochum (Deutschland), Theater Basel (Schweiz), Kyoto Experiment (Japan), Volkstheater Wien (Österreich), Schauspiel­haus Hannover (Deutschland), FIBA (Buenos Aires), Teatre Nacional de Cataluña (Spanien), Nord Nederlands Toneel (Niederlande) u.  a. zusammen­gearbeitet. 2015 wurde sie als erste Frau zur Leiterin des Nationalen Festivals für Dramaturgie in Chile ernannt. 2019 war sie die erste chile­nische Theater­macherin, die zur Biennale in Venedig eingeladen wurde, mit ihren Stücken Estado Vegetal und Realismo. Im selben Jahr gewann sie den ersten Preis des Stücke­markts beim Theater­treffen in Berlin. Als Musikerin hat sie mit ihrer Band Bahía Inútil zwei Alben komponiert, geschrieben und produziert: Stand Scared (2011) und Bahía Inútil (2015). Sie war außerdem für das Sound­design vieler ihrer Werke verantwortlich. Als Drehbuch­autorin arbeitete sie mit renommierten chilenischen Filmregis­seur:innen wie Francisca Alegría, Marialy Rivas und Sebastián Lelio zusammen.

Joseph Havlat ist Pianist und Komponist aus Hobart, Austra­lien, und lebt in London. Als Solist und Kammer­musiker für sehr neue, sehr alte und einige dazwischen­liegende Musik tritt er in bedeuten­den Konzert­sälen in Großbritan­nien, Europa, Amerika, Japan und Australien auf. Joseph gilt als einer der führenden Inter­preten neuer Musik und hat mit Kompo­nisten wie Hans Abrahamsen, John Adams, Thomas Adès, Gerald Barry, Brett Dean, Sir Harrison Birtwistle, Michael Finnissy und Thomas Larcher zusammen­gearbeitet. Als Kammer­musiker spielte er mit William Bennett, James Ehnes, Steven Isserlis, Katalin Károlyi und Jack Liebeck, sowie regel­mäßig mit seinen Duo-Partnerin­nen Lotte Betts-Dean und Charlotte Saluste-Bridoux. Er ist zudem Mitglied des Schlagzeug­ensembles des London Symphony Orchestra (LSO), mit dem er beim Label LSO Live eine CD veröffent­lichte – darunter die Erstein­spielung von John Adams’ Zwei-Klaviere-Werk Roll Over Beethoven. Als Komponist erforscht Josephs Musik oft die Klänge der natürlichen Welt, durchzogen von den raueren Formen der modernen mensch­lichen Zivili­sation. Er komponierte Werke von Solo­stimme bis zum großen Ensemble, unter anderem für Ensemble x.y, dessen Gründungs­mitglied er war. Aktuelle Projekte umfassen ein Werk für Viola und Klavier im Auftrag von Sally Beamish sowie ein Stück für gemischtes Ensemble für das Australian Festival of Chamber Music. Joseph studierte von 2012 bis 2018 an der Royal Academy of Music in London bei Prof. Joanna MacGregor, wo er seinen BMus und MMus mit Auszeichnung erhielt, einschließ­lich Preisen für außerge­wöhnliche Studien­leistungen und der höchsten Vorspiel­bewertung eines Master-Studie­renden. Er war „Young Artist“ von St. John’s Smith Square, des Oxford Lieder Festivals und der Kirckman Concert Society und gewann den ersten Preis beim Royal Overseas League Music Competition. Zu seinen jüngsten Höhe­punkten zählen die Aufführung von Adès’ In Seven Days mit dem LSO unter der Leitung des Komponisten sowie die Urauf­führung seines Werks Növények in der Wigmore Hall. Ende 2021 trat er mit der BBC Philharmonic bei der Urauf­führung von Robert Laidlows Klavier­konzert Warp auf, das auf BBC Radio 3 gesendet wurde. 2023 gab er seine Solo-Recital-Debüts in King’s Place und der Wigmore Hall in London, wo er in der Saison 2023–24 fünfmal zu hören ist. Joseph ist auf mehreren aktuellen CD-Veröffent­lichungen zu hören: Finnissy-Lieder auf Divine Art Metier (mit Lotte Betts-Dean und dem Marsyas Trio), Lisa Ileans Weather a Rare Blue und Rebecca Saunders’ murmurs bei NMC (mit dem Explore Ensemble), sowie zwei Solo-CDs – eine mit tschechi­scher und ungarischer Volks­musik, die andere mit der Erstein­spielung von Isabella Gellis’ The Dissolute Society Comprised of All Sorts. Er hat eine produktive Zusammen­arbeit mit dem Label Delphian Records begonnen, mit dem derzeit zwei Kammer­musik-CDs in der Postpro­duktion sind und zwei weitere für 2024 geplant sind – eine mit Lotte Betts-Dean und eine mit der Bratschistin und Komponistin Sally Beamish. Joseph unter­richtet Klavier an der Royal Academy of Music. Er mag Farne.

Memory Biwa ist Histori­kerin und Künst­lerin. In ihrer Arbeit beschäftigt sie sich mit der Geschichte des antikolo­nialen Wider­stands und des Genozids in Namibia, mit einem besonderen Fokus auf trans­nationale Erinnerungs- und Reparations­prozesse. Ihre Forschung zu münd­lichen Erzählungen und Gedenk­praktiken als Archiv prägt ihr Verständnis von Subjek­tivität sowie die Zentrierung alterna­tiver Erkenntnis­systeme und Imagina­tionen. Ihre postdok­torale Forschung zu einer linguis­tisch-sonischen Sammlung, die in den 1950er Jahren in Namibia entstand, entwickelte sich zu einer Praxis des Hörens: Stimme, Instrumen­tierung und technolo­gische Formen.

Biwa war 2022 Co-Kuratorin der Ausstellung Die Vibration der Dinge bei der Triennale Klein­plastik Fellbach. 2023 leitete sie das Projekt Prossession Pedagogies, ein Artist-in-Residence-Programm für namibi­sche Künst­ler*innen an der Akademie Schloss Solitude, mit Veranstal­tungen in Namibia und Deutschland. Ebenfalls 2023 kuratierte sie A Sacred Story at the Tree of Life in der ifa-Galerie Berlin. Im Rahmen des trans­nationalen Projekts When the Jackal Leaves the Sun: Decen­tering Restitution / Pedagogies of Repossession (2021–2024) kuratierte sie Kapitel III unter dem Titel „We grow between rocks, with our leaves and flowers turned towards home“ in Kapstadt, Südafrika.

Biwa ist zudem Teil des Kollektivs Pungwe Listening mit Robert Machiri. Das Kollektiv arbeitet mit histori­schen und zeitgenös­sischen Tonarchiven. Listening at Pungwe wurde in Form von Lecture-Perfor­mances, Ausstel­lungen und Installa­tionen in Namibia, Südafrika, Ghana, Senegal, Deutsch­land, der Schweiz und Austra­lien präsen­tiert.

Donna Miranda ist eine Choreo­grafin, die auf den Philippinen lebt und arbeitet. Miranda verlagert die Choreo­grafie von der Verortung des indivi­duellen Körpers zu der kollektiver politischer Aktionen. Sie verdient ihren Lebensunterhalt als Entwicklungs­helferin im öffentlichen Gesund­heits­wesen. Außerdem arbeitet sie ehren­amtlich für die Föderation der Landar­beiter*innen auf den Philippinen (UMA).

Paul Brody ist ein in Kalifornien geborener Klang­künstler, Komponist und Trompeter. Er studierte am New England Conservatory of Music in Boston und arbeitet regel­mäßig mit renommierten Häusern wie dem Théâtre de Vidy in Lausanne, den Münchner Kammer­spielen, der Berliner Schau­bühne, dem MC93 Paris, der New York Harlem Opera und dem Wiener Burg­theater. Eine enge Zusammen­arbeit verbindet ihn mit Musik­produzent John Zorn sowie den Regisseuren David Marton, Hans-Werner Kroesinger und Kevin Barz.

Sein Album Hinter allen Worten mit Künstlern wie Clueso, Meret Becker und Jelena Kuljić wurde in die Besten­liste des Preises der deutschen Schall­platten­kritik aufgenommen. Für seine Klang­kunst wurde Brody für den Preis des Europe Broadcasting Festivals und des International Feature Festivals Wien nominiert. Seine Arbeiten waren u. a. im WDR, Deutschlandradio, Jüdischen Museum Berlin, Canadian Language Museum und bei der Trans­mediale Berlin zu hören.

Jüngst komponierte Brody die Oper Nox#1 Êtes-vous amoureux für die Opéra National de Lorraine in Nancy. Er war Artist in Residence im Museums­Quartier Wien und an der Opern­abteilung der Münchner Kammer­spiele. Zudem war er als Gastkünstler und -komponist an der University of Chicago, der University of Virginia, der University of Rhode Island sowie als Trompeten- und Improvisationsdozent an der Hochschule für Musik Hanns Eisler Berlin tätig.

Ab 2025 werden zwei permanente Klang­installationen von Brody eröffnet: Die Stadt Berlin beauftragte ihn mit der Konzeption eines dokumen­tarischen Soundwalks zur Geschichte und Natur des Parks am Gleis­dreieck (Storywalk Gleisdreieck), während das Humboldt Forum ihn mit der Komposition von Archiv- und Tonauf­nahmen für die Ausstellung Tausend Welten betraute. Zusätzlich kuratiert er derzeit Kunst­projekte für Menschen mit besonderen Bedürfnissen. Mehr hier.